还在拍普通短剧？漫剧才是下一轮战场。
过去几年短剧圈经历几轮残酷的洗牌：流量分散、制作成本上扬、监管越来越细——许多团队被逼进“越做越卷、越做越亏”的怪圈。就在大多数人还在想怎么把短剧做得更“传统”时（比如长剧化），一个新形态正在悄然改变游戏规则：漫剧（以及以AI驱动的漫剧化制作），正在成为平台和资本重点押注的方向。
据一些平台和机构的监测显示，近一两年间漫剧呈爆发式增长，播放与点赞的增速明显高于平均短视频内容，相关资本和制作资源也随之向这一赛道集中。
对编剧而言，这里有一个简单的现实：谁先能够把“漫画式的情绪逻辑”转译到竖屏短剧上，谁就有可能在下一波爆款竞争中拿到主动权。
01 | “动态漫”从漫画影像化到叙事困境
如果在2018到2021年之间混过B站、腾讯动漫、快看漫画、甚至AcFun，一定见过这样的作品：画面几乎不动，角色眨眼、口型匹配对白，背景配音，还有镜头拉近拉远、平移等假运动等。 那就是“动态漫”。
动态漫（Motion Comic）是介于漫画与动画之间的一种影像尝试。它的优势很明显：制作成本低、周期短、对已有漫画IP的延展性强，是早期网络内容常见的“影像化补充形式”。
不过它的问题同样明显：情绪不饱满、代入感不足、传播力有限。它的用户留存也低，大多数动态漫三集后弃坑率极高。原因很简单，动态漫只是把静态漫画“翻译”为视频，而不是再创作。镜头语言、节奏逻辑、情绪节拍，也在沿用漫画格子的阅读方式，而不是短视频观众的感受方式。
所以动态漫注定了只是过渡形态。
02 | “短剧”的兴起和瓶颈
过去几年，短剧在短视频平台上几乎是一夜爆红。它以强情绪、快节奏、密集反转迅速吸引观众注意，三五分钟一集，十几秒一个钩子，形成了极高的商业转化效率。对平台来说这是算法最喜欢的内容，对创作者来说这是最能“见效”的赛道。
短剧的发展势头看起来很猛，但如今也渐显“疲”态。随着行业竞争白热化，短剧的弱点开始显现：
制作成本持续攀升，演员、场景、摄影、美术、宣发环节全面涨价。
审查边界收紧，“爽点”表达频繁触线，尺度空间被压缩。
创意陷入套路化，“三分钟一反转”的节奏成了行业标配，题材疲劳加剧。
平台策略趋于保守，流量资源越来越集中到头部团队，中小创作者越来越难突围。
这些都是结构性困境，让短剧行业逐渐进入“高成本、低增量”的周期。而在这个节点上，漫剧以更低的生产门槛、更稳定的视觉表达和更宽的叙事自由度，恰好成为创作者重新开局的出口。
03 | “漫剧”正当其时
如果说动态漫是技术试验，短剧是流量爆发，那么漫剧的出现正踩在三股力量的交汇点上：AI技术成熟、平台机制转向、内容形态升级。
技术：AI让影像生产逻辑彻底改变
生成式图像、视频和语音模型的突破，让“画”和“声”的生成几乎零门槛化。过去一个真人短剧要拍三天、剪一周，如今用AI生成漫剧，可能一夜之间就能出片。
制作成本从拍摄成本变成“算力成本”，这意味着中小创作者也能做出工业级作品。
更重要的是AI并不只是替代人工，而是重新定义了影像的叙事方式，它让原本属于动画或漫画的表达语法进入到短剧语境中。
平台与资本：双向加码的新风口
几乎所有主流视频平台都在布局漫剧。它们开放IP授权库，提供补贴、分成、采买激励，希望复制短剧的爆发模式。
资本的态度更直接：在AI生产和视觉内容结合的赛道里，漫剧是最容易落地、回报最快的一环。
对平台而言，漫剧的内容供应更稳定、审查风险更低、视觉差异更强；对创作者而言，这意味着新的红利窗口。
谁能在这一轮定义“AI漫剧的叙事模板”，谁就能获得下一代内容标准的定价权。
内容：天然匹配的视觉语言
从内容形态上看，漫剧天生具备几个优势：
表达自由度高，奇幻、异能、超现实场景不再受制于拍摄条件。
观众容错率高，风格化画面可以掩盖AI瑕疵，反而形成独特美感。
跨文化传播力强，漫画视觉本身就具备全球审美共识，出海门槛低。
叙事可模块化，每个情绪节点、场景组块都能单独生成与复用。
所以说，漫剧的崛起不是偶然。它既是AI重塑内容生产链的产物，也是短剧逻辑向视觉符号化叙事的自然过渡。在所有形态的交汇处，它是那个“刚刚好”的形态—— 既有短剧的节奏爆点，又拥有漫画的视觉自由。
04 | 漫剧的类型和创作取向
漫剧有多种形态，不同路线的团队会根据成本、受众和平台机制等，发展出各自的风格系统。从行业观察来看，目前主要可以分为以下几类。
动态漫
叙事驱动，重文本与节奏。
这类作品承袭传统漫画分格逻辑，以情节和对白为核心。它讲究“节奏控制”和“信息递进”，适合改编型IP或情绪线较强的作品。编剧的重点在于控制格间时间，通过分镜密度制造张力。
沙雕漫/搞笑风
情绪驱动，重节奏与反差。
这类漫剧以短平快的“笑点爆发”为目标，通常不追求复杂叙事，而追求“情绪即时反馈”。创作取向是节奏压缩、台词浓缩、画面夸张，更接近表情包逻辑。编剧工作类似喜剧写作——要懂“抖包袱”的节奏。
3D/半写实漫剧
视觉驱动，重场面与氛围。
此类作品依托AI、3D生成或渲染技术，尝试构建更真实的空间感。它的创作方向是以视觉冲击力补足叙事复杂度，更适合奇幻、悬疑、动作类题材。编剧需具备“视觉调度思维”——剧情不只是对白，而是空间和光影的动作。
混合风（真人×漫画）
实验驱动，重情绪与边界。
这种模式多用于转场、梦境、或记忆段落，把“虚拟”与“现实”直接混合。它是一种桥梁形式，也是探索漫剧“可叙事性边界”的实验。编剧需特别注意现实与幻想之间的心理逻辑，否则观众容易跳戏。
漫剧仍在快速演化中，没有一种风格能长期占优。不同形态的漫剧，其核心创作逻辑完全不同。对编剧而言，真正的挑战不是选择哪种形式，而是要理解：
视觉风格本身就是叙事方式。
你写下的每个分镜、每句对白，都要与画面的节奏语言匹配。
05 | 漫剧编剧创作逻辑和写作策略
传统剧本是写给导演、演员和摄影机的，而漫剧剧本的第一读者是“画面系统”——也就是绘制引擎、动画团队、后期AI合成工具等等。这意味着，我们的剧本必须具备“可视觉化”的特征。具体来说：
每一句对白、每一个动作，都要能转化成明确的画面，包含构图、镜头角度、情绪氛围等。
情绪变化要写得可感知，例如从“压抑→愤怒→爆发”，不要写抽象词，而是写出脸部、动作或光线的变化。
画面符号要明确，是阴冷的蓝调，还是炽热的红光？是雷电、碎片还是流光？这些都能决定后期特效风格。
镜头节点要清晰，漫剧本质仍遵循漫画的分镜逻辑，每个画面切换处都要有明确的视觉节奏点。
拟声与音效不可忽略，啪、嘭、咔、轰……这些不是噪音，而是情绪节奏的一部分。它们能在观众心里制造“冲击感”。
总结下来就是，传统剧本是“写给人演的”，漫剧剧本是“写给AI生成的”。我们写下的每一行文字，最后都要能变成一张图、一帧动画、一次击中观众情绪的视觉事件。
漫剧赛道仍在初期，短剧编剧如果能转型、深耕，还有机会在这条“新蓝海”中成为头部创作者。把握好这两年窗口期，认真打磨剧本逻辑和钩子设计，结合技术与数据，就可能成为未来爆款背后的那位“隐形编剧/导演”。
