12月4日，由DataEye主办的「剧查查TALK 跨界交流会」在深圳市南山区深圳湾科技生态园二区8栋重磅举行！
活动邀请了中央戏剧学院表演系教师、刘天池表演工坊创始人刘天池、演员、导演、编剧孙樾、中国香港新生代导演施磊（施锐汶）、金影科技总裁、总制片人王晶（锦文）四位嘉宾到场进行跨界分享。
刘天池演讲实录如下：
所有的同行朋友们下午好，我是刘天池。其实我不擅长用PPT上课，因为表演只要转成PPT，感觉好像就没有办法那么生动了。但是我也应汪总的邀请，所以来这边还是做了一个PPT，不过大家可能在后面听我讲的过程中，会发现我说的很多内容和PPT上面写的不那么一致，所以不要产生怀疑。
其实我也是今年大概3月份的时候才开始接触短剧，也是应红果的邀请。从跟他们的合作，到和他们的一些接触，我深深感觉到短剧的到来，其实给了很多很多年轻人一个就业的机会。我当时问过他们的主要负责人，他跟我说短剧一年大概解决了60万人的就业。我当时就觉得这是一件好事情，因为我其实是从话剧圈开始的，我年纪也比较大了，最初接触话剧，之后到了电影，后来有电视剧，再到平台的网剧，到今天出现了短剧，我几乎经历了各个圈。走了一圈之后，我发现其实一个演员的表演，说到底特别特别简单，简单到你自己都可能会觉得“有那么简单吗？”是的，因为它就是人的艺术——只要你把自己作为一个个体的人，能够深入地去感受自己，又有极强的欲望去表达自己的时候，那么表演可能就开始了。
之所以说它是人的艺术，是因为它由三部分组成。我们都知道演员是一项职业，之后要创作一个角色，这个角色要跟观众产生共鸣。那怎么跟观众产生共鸣？其实每一个演员只要能把自己的情感注入角色，那么角色就能替你发声。现在最害怕的就是演员走到了角色的前面。演员为什么会走到角色前面呢？是因为可能自己觉得“我想要表现一下自己”。有时候我特别讨厌一个词，就是“这是个炸裂的表演”，或者“这简直是教科书级的表演”。我在这个行业这么多年，我的老师告诉我：认认真真地去演人，而你如何能够化有形为无形，这才是一个演员的本分。
假如你自己所有的个性、形象、气质，一系列属于你自己的特质全部跑到角色前面的话，那么你跟观众之间就没有任何链接——观众可能只会说“我在这部剧里看到了你很帅气，或者很漂亮”，但久而久之，他会选择别的演员。为什么？因为你并没有用情感去跟他产生交流。当这种共鸣无法让你们成为情感共同体的时候，观众可能就会慢慢选择更新鲜的。为什么很多年轻演员一批又一批出现，最终能留下荧幕形象的却寥寥无几？假如你不能够从心底里珍视表演艺术，不管是短剧、长剧还是话剧，我觉得演员更应该把自己的职业上升为艺术。因为当你知道它是一门艺术的时候，你才会明白作为演员应该如何练习自己的技术。
演员这项职业和其他职业是一样的。我经常举例：如果你是一名司机，多多少少都要去驾校，驾校老师会教你各种各样的动作，确保你将来开车时不会撞伤别人。当你学会这些之后，无论怎么开车都可以自由驰骋。演员也一样，我们有很多技术是真的需要去学的。当然肯定很多人说“我们没办法进入中央戏剧学院、北京电影学院或上海戏剧学院，没办法经过那么严苛的4年教学，那我应该怎么办？”其实自己在家可以练，真的可以练。我觉得时代已经发生变化了，并不是说一定要叩开学府大门，才能获得这项技术。但你自己的脑海里一定要有这样的认识：我们需要技术，而技术当然包括台词、身体，还有面部表情。这一系列的训练，最终要有一个更强的认知——它们都是语言，是一整套的语言系统。无论你处在什么样的场景下，这三者都要去运用，它们共同构成一个完整角色的语言。
我来之前，和一个年轻演员交流，他说：“老师，我拿到一个本子之后，先找到了人物的感觉。”我说这很好，你从剧本中找到了人物的感觉。他说：“之后我演的时候，就一直希望能保持住我自己的这个感觉。”我说：“那只靠感觉演戏吗？那你这一场戏的任务到底是什么？你的目的又是什么？”可能现在的短剧节奏变快了，但我只是觉得文本的节奏发生了变化，我们欣赏的观演关系发生了变化，它的内核从来都没有变。不信你看，一个非常优秀的老演员，假如他现在开始演短剧，依然能把角色演活。因为表演本身就是一项艺术，不存在“在话剧里该怎么演、在长剧里该怎么演”的区别——演法没有变，只是剧本节奏变了之后，你自己的语言速度、所有情节的推动力，以及戏剧性都会变得更加紧凑而已。如果戏剧性变得紧凑了，那表演必然也要跟着紧凑，因为短剧里几乎场场都是重场戏，甚至潜台词都几乎走到了台前。
大家看长剧会发现，很多演员会把台词里的潜在意思，通过各种各样的手段呈现出来；但短剧不一样，短剧的潜台词走到了台前。而潜台词在表演的世界里，我们叫做“心理动线”——也就是你心里的活动、心里的“小九九”到底是什么。如果你内心的“小九九”非常清晰，那转化成潜台词、变成台词和对白的时候，也会非常精准；假如你不思考，那读出来的就像白开水，一点意思都没有。
我在看短剧的时候，发现很多短剧都依托配音演员。当然，配音演员肯定比现场的演员更有经验，因为他们在棚里会帮你塑造角色。但是作为演员，第一件事就是不能交出这个权利——自己一定要去研磨台词，无论台词多长。只要是一个角色，就是一个生命，这个生命需要你用这样的语言系统共同去完成。
好，我们再来说角色。当一个演员拿到一个角色之后，要通过自己的技术把它转化为艺术，这个过程就需要你对文本有深入的了解。我也知道，短剧的剧本非常简单，感觉就像是游戏打通关一样，一个人从头到尾干到底。我看的时候也觉得挺爽的：一个人在那扑腾折腾，不管对面来什么样的人，他都有各种招数迎刃而解，看到最后能让观众欣然一笑，或者觉得很痛快。既然主角都带着这样的光环，其实对于年轻演员来说，这是一个福音。你在长剧当中未必能有这么集中的戏码，但短剧给了你充分表现自己的权利。正因为它短、它精干，所以我们在表演的时候更需要技术的加持，首先就是对文本的理解。
很多人觉得短剧很轻松，听说创作时间特别短，7天或者10天，我知道这已经到了人的生理极限。但只要你还有梦想，希望自己能成为一个好演员，不止于短剧，未来还能向更高的目标进取。每个人的身体都需要经过打磨，最终刺激自己的大脑，产生独特的思想，你才能塑造出和别人不一样的角色。只要你爱表演，它一点都不骗你，甚至比谈恋爱还好。谈恋爱万一碰到渣男，或者不靠谱的人，可能身心都会受伤；但表演不会，每一个角色都静静地在那里等待着你，跟你窃窃私语，甚至晚上还跟你“缠绵”在一起。如果你能像谈恋爱一样对待每一个角色，它永远不会背叛你。
而且演戏最快乐的地方在于，当你钻进一个人物的时候，才会发现原来还有人这样思考问题。虽然角色是编剧塑造的，但我们有权利加上自己的思考，重新去解读它。其实非常简单，不要照着词念。你只要把这个角色所有的高光时刻，画出一道弧线，用你的技术，就可以完成。千万不能边拍边走、边拍边走，我觉得那样的创作会让你慢慢对表演产生倦怠。当你开始倦怠的时候，又怎么能塑造出好角色呢？所以不要倦怠，演员是战士，演员要把那些看不见、摸不着的文字，变得栩栩如生。
那怎么才能让角色栩栩如生？给大家一个小窍门：找动物。用动物的方法去建立人物，因为我们是高级动物，但每一个角色都有自己独特的动物属性。我现在看了很多短剧，就是为了学习。我学习的目的是，我深深知道，我现在带的这个班的学生，两年后就要毕业，他们从大三第一次进入这个行业，很可能就是从短剧起跳的。所以前两天我在红果那边，也跟他们的人说：“可不可以拜托创作者，把内容做得稍微复杂一点点？不要像现在的短剧这么单薄，只要复杂一点点，对年轻演员来说都是助力。”因为只有稍微复杂一点的角色，表演技术才能派上用场；他们所学的专业，才不会慢慢随波逐流，不至于未来再也没有优秀的演员了。所以剧本逐渐走向精品化，演员也一定要让自己的技术精湛化。
好，那我们拿到一个角色，还有一个小窍门：任何一个文本里，看到一个角色的时候，先给它归一个动物类型。就像我们平时生活中经常会说“这个人有点像猫，那个人有点像豹，这人像狼，那人像狗”——你不喜欢的人，可能会说他“像狗”，那他一定是有狗的脾气、狗的行为，你才会这么形容他。剧本里也是一样，你看完之后，只要能给角色找到一个动物属性，八九不离十，角色的内在就出来了。
我们塑造一个角色，既需要内在，也需要外在。外部是技术，但内在的技术更重要，因为内在的技术是你读剧本时建立起来的内在规定情境，也就是说，角色心里的这条动线坚决不能断。我们经常说“就算你的台词断了，你的行为也不能断”，所以才说台词、形体和面部表情决定了表演。哪怕没有台词，用身体语言和面部表情的语言，同样能构成完整的行为——这就是表演。
讲起来特别简单，但确实需要经过一小段时间的训练，可能会更好一些。因为表演是直观的艺术，只有你演了，别人才能告诉你“这里可以调整一下，那里可以改进一下”。光是我站在这里叨叨叨，我自己都觉得把表演讲得很空了，也不知道该如何跟大家共同研磨表演。我也期待后面能有一些线下的工作室，我们大家可以共同动起来。因为表演是行动的艺术，谁离开行动都无法完成表演。
另外，我们在学习的过程中，每一个演员不仅要研磨角色，我觉得所有好演员的心里都要有观众。当你心里没有观众的时候，你就无法开启创作。因为观众会和你共同完成欣赏的过程，这个过程是你们双方一起完成的。假如有机会演话剧，你会发现话剧的场域更是如此。你站在台上，下面有观众，你说的每一句台词、做的每一个动作，不仅影响台上的对手，更重要的是影响台下的观众。当观众能给你回馈的时候，你的表演才算真正完成了。
那观众需要什么？观众需要看到你生龙活虎地在舞台上表演，希望看到你在荧屏前自信地绽放。所以一定要相信，观众从来不是带着审视的眼光看你，他们其实是带着欣赏的眼光的。镜头外的人也一样。所以，虽然是短剧，但我也想请所有青年演员、创作人员，尤其是导演，给演员留一点点“过程”。因为我看到现在很多表演几乎没有过程，这个过程从哪里来？其实就是你们为角色建立的心理动线。我们外部的叫情节、叫事件，当内在的心理活动能展现一点点，不要那么吝啬地“快点带过”，不要着急，留住一点点过程，这个角色的思考感可能就建立起来了。对面的人说一句台词，是不是影响到你了？你的眼珠是不是转了一下？你的身体是不是有一点点变化？就这么一点点变化，观众都会跟着这个角色往前走。
所以把心理过程稍微转换成外部的两个支柱——身体和面部表情，给出那么一点点，这个表演基本上60%以上就能够打动观众了。如果你一点过程都不给，随便带过，然后靠一大堆表情包撑场面。我也看了很多表情包，一惊讶就“啊”，一看到恶婆婆就使劲夸张表演。这种特别符号化的东西，尽可能去掉。生动并不代表生猛，一定要搞清楚，过于生猛的话，角色可能会“受伤”。生动，“动”起来就是过程；只要你记住它是艺术，我们需要这个过程，观众的欣赏也同样需要这个过程。
在我演讲的最后，我想说，我永远都是站在守护表演艺术的位置上，不仅仅因为我是中戏培养的，也不仅仅因为我现在是一名表演老师，更因为我真的真切地感受到，太多年轻人喜欢表演、热爱表演。我们一定要搞清楚，表演艺术其实是最古老的一门艺术：当人类开始期许、内心产生彷徨、思想出现困顿的时候，我们就像对待神学一样，需要通过各种各样的形式，把自己的愿望呈现出来。因为人天生就有“行为表达”的需求，所以我们喜欢篝火、喜欢群体、喜欢聚在一起。这就是人类，也是AI永远打败不了我们的唯一原因，因为我们是有情感的。
所以无论长剧还是短剧，在表演艺术中，大家静下心来，真的把自己放进去，慢慢研磨。不用非得进学院，也可能解决问题，但台词不行。再次强调，自己多练一些绕口令，你才能够不用依赖配音演员。最后我想说，艺术形式可能在不断变化。今天我们看到的是竖屏短剧，但我不知道未来是不是可以戴上VR眼镜，随时就能在眼前看到一部大电影，更细腻的表演。假如说我们在电影院里，荧幕和我们之间还有10米、20米的距离，但未来是不是戴上一个眼镜，随手就能打开一个像《黑镜》里那样的大屏幕来看电影？那个时候，试想一下，表演的过程、表演的细腻度，是不是更需要我们演员去完成、去创作？
无论艺术形式如何变化，我们说表演永远不会退潮，因为它是和“活人”在一起的艺术；还有一个原因，只要我们呼吸不停，那么表演的生动就不会停。请让角色呼吸起来，请让角色生动起来，请让角色有更细腻的过程，让我们每个人，无论形式如何变化，依然能守住表演艺术，共同进步，谢谢！
